Искусство XVII — начала XVIII в.
В начале XVII в. окончательно оформляется новое направление в искусстве Италии. Оно формируется под влиянием разнородных факторов и отличается противоречивым сочетанием различных тенденций. С одной стороны, сказываются традиции Возрождения, блестящее наследие великих мастеров, в котором отразился экономический и культурный подъем. С другой стороны, в XVII в., в новых условиях существования страны, в период развала экономики и торжества феодальной реакции, творческое осмысление действительности оказывается во многом совершенно иным, чем в предшествующую эпоху. В искусстве Италии этого времени значительно усиливаются аристократические тенденции. В архитектуре это выражается в пышности и великолепии отделки церквей и дворцов; в живописи — в отказе от лаконизма и сдержанности, в усложненности композиции, в погоне за колористическими эффектами; в литературе — в распространении вычурного и витиеватого стиля, получившего название «маринизма» (по имени поэта Марино, его родоначальника); наконец, в театре — в особом увлечении чисто внешней, зрелищной стороной спектакля.
Новое искусство теряет уравновешенность и гармоничность, присущие ему в эпоху Ренессанса. Рациональная организованность и совершенство форм заменяются стремлением к грандиозности, строгие каноны — полной свободой творческой фантазии, устремленной на поиски новых средств выражения драматизма, напряженной динамики, повышенной эмоциональности. Эти черты в полной мере свойственны итальянскому искусству первой половины XVII в., но к концу века драматизм вырождается в ложный пафос, а эмоциональность в холодную патетику. Идейный уровень искусства падает.
Наибольших художественных высот искусство XVII в., получившее название барокко, достигло в области архитектуры. Дворцы, церкви, театры и загородные виллы этого века поражают великолепием и декоративностью. Ровная поверхность стен разрывается многочисленными выступами, карнизами и нишами. В планировке и украшениях на смену спокойной прямой линии приходит прихотливая кривая. Пышно отделываются порталы входов и окна. Используя законы перспективы, архитектор искусственными приемами создает впечатление глубины пространства.
Впервые в это время перед зодчим встает задача создания подчиненного единому замыслу ансамбля, в который включается не только самый дом, но и окружающее его пространство — площади, улицы, дворцы и виллы, сады с гротами, фонтанами, беседками, мостами. При этом вырабатывается органическое соединение всех видов изобразительных искусств, в котором ведущая роль принадлежит архитектуре. Скульптура и живопись нередко выполняют служебные функции, становятся неотъемлемой частью архитектурного оформления, помогая зодчему осуществить его замысел, и приобретают те же черты, что и архитектура барокко. В противоположность скульптуре Возрождения скульпторы XVII в. отказываются от изображения обнаженного тела. Фигуры драпируются бесчисленными складками, затейливым расположением которых скульптор стремится создать игру светотени и передать подобие движения. Огромные живописные плафоны и фрески, на которых художники изображали небо, облака, летящие фигуры, далекие просторы, создавали иллюзию большого пространства.
Крупнейшими архитекторами XVII в., с именами которых связан расцвет барокко в Италии, были Лоренцо Бернини (1598—1680) и Франческо Борромини (1599— 1667).
Вся творческая деятельность талантливейшего художника своего времени, зодчего, скульптора и живописца Бернини протекала в Риме. Ему принадлежат великолепная галерея собора св. Петра, лестница Ватиканского дворца, соединяющая его с собором, церковь Сайт Андрее в Квиринале и ряд других построек. Не менее интенсивно работал Бернини и как ваятель. Его скульптуры на античные сюжеты, статуи святых, надгробные памятники, портретные бюсты отличаются мягкостью моделировки и выразительностью.
Оригинальность таланта Борромини сказалась уже в первой самостоятельной его работе в церкви Санто Карло в Риме. Его творчество поражает, прежде всего, неудержимостью фантазии, нагромождением форм, иногда мешающим восприятию целого, полным отрицанием архитектурных канонов. Но, несмотря на талантливость Борромини, в его произведениях отрицательные черты барокко сказались значительно отчетливее, чем у Бернини.
В живописи XVII в. продолжают бороться те два течения, которые оформились еще в конце предшествующего столетия: академическое, представленное учениками и последователями Болонской школы братьев Карраччи, и демократическое, признанным главой которого был Караваджо, оказавший огромное воздействие на живопись Италии и других стран.
В основу искусства художников академического направления Гвидо Рени (1575—1642), Альбани (1578— 1660), Доменикино (1581—1641), Гверчино (1591—1666) и др. было положено изучение живописи великих мастеров Возрождения, от каждого из которых они стремились взять все лучшее. Однако эпигонское освоение наследия прошлого привело в их картинах лишь к эклектическому смешению стилей.
Последователи Караваджо проявляли живой интерес к простым грубоватым народным типам, стремились верно воспроизводить натуру. Их картины отличаются единством колорита, широким использованием светотени.
Влияние Караваджо испытали и художники академического направления — Строцци (1581—1644), Фети (1589—1624), Креспи (1665—1747), которые свои картины на религиозные темы трактуют в бытовом плане, а иногда обращаются и к жанровым темам.
Музыкальная жизнь Италии на рубеже XVI—XVII вв. ознаменовалась рождением нового сложнейшего вида музыкального творчества — оперы. Ее родиной была Флоренция, где в кружке музыкантов и певцов, группировавшихся вокруг мецената, ученого гуманиста Барди, впервые возникла мысль создать спектакль, в котором соединились бы воедино музыка и слово. Изучая греческую трагедию, первые творцы оперы мечтали создать подобный ей спектакль, в котором впечатление, производимое драмой, усиливалось бы музыкой. Но возродить античную трагедию кружку Барди не удалось, и первое произведение нового жанра «Орфей» Ринуччини с музыкой Креспи явилось по существу развитием жанра ренессансной пасторали. Постановки «Орфея» имели огромный успех, и опера быстро получает широкое распространение по всей Италии. При этом она не только процветает на придворных сценах, но также пользуется любовью массового зрителя. О популярности оперы свидетельствует обилие оперных театров, Число которых в одной Венеции достигло восьми.
Своего наивысшего расцвета в XVII веке итальянская опера достигает в творчестве Клаудио Монтеверди, главы венецианской школы. В его операх «Орфей» и «Ариадна», а в особенности в последних его произведениях — «Возвращение Улисса» и «Коронование Поппеи» яркая жизненная драма совершенно заслоняет мифологическое или сказочное начало. В центре спектакля драматическая коллизия. Иллюстрируя текст, музыка создает фон, помогающий восприятию происходящего.
После Монтеверди устанавливается определенный тип оперного спектакля. Опера обычно пишется на мифологический или легендарно-исторический сюжет. В ней, иногда несколько механически, сочетаются трагические и комические элементы. Спектакль парадно оформляется и включает в себя балетные сцены. Полеты, чудесные исчезновения, пожары, землетрясения становятся необходимыми аксессуарами оперы. Постановочные эффекты начинают приобретать самодовлеющий характер.
В последние десятилетия XVII в. центром развития оперного искусства становится Неаполь. Именно здесь вырабатывается тип оперы, получившей название «серьезной» (опера-сериа), и быстро устанавливаются твердые каноны, которые в дальнейшем превращаются в штамп. Сюжет становится только предлогом для демонстрации искусства певцов-виртуозов и постановочных эффектов. Особым успехом начинают пользоваться певпы кастраты, которые своими высокими голосами еще больше подчеркивают условность происходящего на сцене. Идейный смысл оперного спектакля исчезает.
Однако мастерство исполнителей, изощренность музыкальных приемов, блеск оформления доходят в это время до совершенства. Итальянская опера распространяется по всей Европе. Итальянские труппы играют в Париже, Вене, Мадриде и других столицах. Италия становится законодательницей в оформлении спектаклей и театральных зданий. Особенно прославились в этой области архитекторы и художники-декораторы из талантливой семьи Бибиена.
Искусство эпохи Просвещения
Новый подъем итальянского искусства в середине XVIII в. связан с формированием буржуазной идеологии, с идеями просветителей. Просветители выступают принципиальными противниками искусства XVII в., в котором решающую роль играли аристократические тенденции. Они стремятся усилить действенность искусства, превратить его в рупор своих идей, а для этого становится необходимым приблизить его к жизни, к интересам современников. Этот этап в жизни итальянского искусства характеризуется ростом значения литературы и театра, отодвинувших на задний план изобразительные искусства.
Крупнейшим поэтом-сатириком Италии, в творчестве которого отразились передовые идеи того времени, был Джузеипе Парини (1729—1799). В своих одах он выступал против сословного неравенства, выражал сочувствие жертвам социального строя. Он писал: «Я не знаю, верно это или нет, но говорят, что было время, когда люди были равны и понятия «чернь» и «дворянин» не существовали...». В поэме «День», построенной в виде поучения молодому дворянину, Парини обрушивается на бессмысленность существования паразитической аристократии.
Заслуга реформы итальянского театра принадлежит Карло Гольдони (1707—1793). В Венеции, где он начал свою драматургическую деятельность, издавна существовала высокая театральная культура, неразрывно связанная с импровизационной комедией масок (комедиа дель арте). Созданная в XVI в. творческим гением итальянского народа, комедия масок в это время уже потеряла живую связь с современностьго. Однако еще многое в ней было достойно внимания и изучения, и Гольдони в своей реформе итальянского театра пошел по пути ее критического освоения и переработки. Он лишь постепенно отказывается от актерской импровизации. Традиционные герои комедии масок встречаются и в его пьесах, хотя от них остаются только имена. Труфальдино, Бригелла, Панталоне и другие персонажи превращаются в пьесах Гольдони в реалистические образы, получающие четкую социальную характеристику.
Гольдони является типичным представителем итальянского Просвещения. Он высмеивает мотовство, распущенность, бездельничанье аристократии и вообще дворянства. Иначе он относится к буржуазии. В своих комедиях Гольдони указывает на деловитость, предприимчивость и семейные добродетели буржуа. Однако драматург не прочь посмеяться над теми из них, кто гоняется за благосклонностью аристократов или проявляет излишнее пристрастие к патриархальным обычаям и быту. Свои симпатии Гольдони отдает представителям народа, образы которых он всегда рисует с теплотой и любовью, наделяя их честностью, умом и энергией. Героями его комедий были ремесленники, крестьяне, гондольеры, рыбаки.
Комедии Гольдони скоро завоевывают все сиены Италии. Однако в самой Венеции против Гольдони выступает группа аристократов—критиков и писателей, известная под названием академии Гранелески. Наиболее талантливый противник Гольдони Карло Гоцци (1720—1806) обвинял его в забвении народных традиций итальянской сцены, в обеднении сюжетов. Бытовым комедиям Гольдони Гоцци противопоставил свои пьесы-сказки, в которых он пытался возродить комедию масок. Гоцци имел шумный успех, отчасти объясняющийся тем, что в своих пьесах он прославлял любовь, верность, чувство человеческого достоинства.
Однако задача оживить комедию масок не могла быть осуществлена. И хотя успех произведений Гоцци заставил Гольдони покинуть Италию, эта победа была недолговечна. Комедиа Гольдони скоро вновь возвращаются на сцены театров Италии, а затем переводятся и на все европейские языки.
Создателем итальянской трагедии и крупнейшим поэтом последней четверти XVIII века был Витторио Альфьери (1749—1803). Его трагедии, созданные накануне Французской революции, построены в духе классицистической трагедии и проникнуты пафзсом борьбы.
В драматургии Альфьери отразились все специфические черты и противоречия жизни Италии конца XVIII в. В это время буржуазия настолько окрепла, что ждала от искусства призыва к подвигу, прославления гражданской доблести, героики борьбы. Творчество Альфьери отвечало этим требованиям. Проникнутое глубокой ненавистью к тирании и деспотизму, оно призывало к отказу от личных интересов во имя свободы. Эти идеи проходят через все произведения Альфьери. Особенно ярко выражены они в таких его трагедиях, как «Брут Старший», «Брут Младший» и «Виргиния».
Но наряду с этим в творчестве Альфьери отразилась также слабость и ограниченность итальянской буржуазии. Призывая к борьбе за свободу, Альфьери мечтает о свободе лишь для избранных. Выступая против тирании, он склоняется к тому, что лучшая форма правления — это английская конституционная монархия. И если он свою трагедию «Брут Старший» посвящает Вашингтону и американской революции, то трагедию «Агис» он посвятил памяти казненного английского короля Карла I.
Несмотря на всю свою противоречивость, творчество Альфьери сыграло большую положительную роль,особенно впоследствии, в годы борьбы за объединение Италии.
В оперном искусстве уже с начала XVIII в. делаются попытки найти новые пути, поставив в центре спектакля драматический сюжет, определенную, ярко выраженную идею. Инициатива здесь принадлежала оперным драматургам, но все их попытки не приводили к значительным результатам, пока для оперы не начал писать талантливый поэт Пьетро Метастазио (1698—1782), сделавший основой оперы ее драматургию. Уже в первом его произведении «Покинутая Дидона» главное место занимают чувства героев. Опера освобождается от всякого сверхъестественного элемента. В произведениях 30—40-х годов Метастазио добивается четкости и простоты в построении сюжета, тонкости в показе переживаний героев. Его героические оперы из римской истории «Катон в Утике», «Фемистокл», «Титове милосердие» и «Аттилий Регул» по тираноборческим идеям и воспеванию гражданских добродетелей во многом предвосхищают трагедии Альфьери. Но обстановка Италии в первой половине XVIII в. была еще такова, что, несмотря на огромную популярность Метастазио, его сентиментально-чувствительные оперы все же ценились современниками выше, чем героические.
Успехи, достигнутые Метастазио, после его смерти во многом оказываются утерянными. Во второй половине XVIII в. прогрессивные тенденции оживают в новом жанре. Ее характеризует непритязательный бытовой сюжет, быстро развивающееся действие, связь с народной музыкой. Расцвет оперы-буффа связан с именами Д. Б. Перголези (1710—1736), который в своих операх «Служанка-госпожа» и «Влюбленный брат» создал первые классические образцы этого жанра, и Н. Пиччини (1728—1800), творчество которого отличалось чувствительностью и сентиментальной морализацией. В конце XVIII в. опера-буффа достигла особенного успеха в творчестве Д. Паизиелло (1740—1816) и Д. Чимарозы (1749—1801).
Подъем изобразительных искусств во второй половине XVIII в. сказался, главным образом, в области живописи. Традиции Возрождения оживают в знаменитых фресках Д. Б. Тьеполо (1696—1770), полных жизнерадостности, света и воздуха. Любовью к родной стране и родному городу дышат правдивые и живописные пейзажи А. Каналетто (1697—1768), в которых художник воссоздает уличную жизнь Венеции с ее каналами и гондолами, карнавалами и празднествами. Оригинально и самобытно творчество другого пейзажиста Венеции — Франческо Гварди (1712—1793), с особенной любовью рисующего закоулки и дворики города.
В архитектуре и скульптуре Италии во второй половине XVIII в. замечается упрощение изобразительных форм, возвращение к античным канонам, постепенное формирование классицизма. Выдающимся представителем этого направления был Антонио Канова (1757—1822). Тщательно изучая античное искусство, он пытается вернуть скульптуре ее простоту, строгость и гармоничность. Но творчество Кановы отмечено холодностью, изысканностью, красивостью. Классицизм в Италии по существу остается аристократическим течением. В конце века изобразительное искусство становится все более эпигонским, малозначительным, провинциальным.
